Dès son origine le design s’est posé la question de sa propre visibilité avec cette double contrainte d’apparaître et d’exister dans le champ artistique (au sens large) tout en cherchant à créer un lien particulier avec une clientèle potentielle et d’éventuels consommateurs.

Initialement circonscrit au champ de la production manufacturière, ce qui peut être décrit comme l’ancêtre de ce que nous nommons aujourd’hui le design – soit les arts industriels ou arts décoratifs – du XIXe siècle a longtemps recouvert une activité qui, pour l’essentiel, tournait autour de la création et de la production de mobilier, faïencerie, verrerie, textile, orfèvrerie ou encore ferronnerie soit peu ou prou d’objets liés à l’art de la maison.

À Staline qui, tout en imposant à l’Union soviétique « le design total » du réalisme socialiste, proclamait : « Un peuple heureux n’a pas besoin d’humour » semblent faire écho, un siècle plus tard, les propos de Starck, un artiste-designer qui a toujours revendiqué son obédience communiste : « Un design sans humour n’est pas humain… Le manque d’humour est la définition de la vulgarité…Le populaire est élégant, le rare vulgaire. »

De la première industrialisation au développement actuel des nouvelles technologies, les inventions techniques ont conditionné les modes d’organisation socio-économique, comme elles ont sollicité l’imaginaire collectif.

Pour faire œuvre, l’artiste doit composer avec une situation ; il doit « faire avec » des conditions de mise en œuvre et de diffusion, avec les propriétés d’un médium et des règles héritées ; la création requiert donc une approche pragmatique

Inspiré des recherches de Marcel Mauss exposées dans son Essai sur le don (1923-1924)
et de La Revue du M.A.U.S.S. (Mouvement anti-utilitariste dans les sciences sociales),
ce recueil envisage différentes figures du don dans les domaines de l’art et de l’esthétique.

Ce numéro de Figures de l’art est le premier sur les Arts immersifs. Il montre à travers les pratiques et les recherches que l’art de s’immerger engage le corps de l’artiste et du spec-acteur dans une production commune de l’œuvre d’art

Si la confrontation entre littérature et cinéma connaît déjà une longue histoire (adaptations, sémiologie et narratologie), l’étude des rapports entre langage littéraire et langage audiovisuel s’est considérablement renouvelée ces dernières années.

Des tout premiers tableaux vivants du XVIIIe siècle (développant l’art des « poses plastiques » initié par Lady Hamilton) aux photographies mises en scène du XXIe siècle (poursuivant elles-mêmes l’exemple du célèbre Autoportrait en noyé d’Hippolyte Bayard en 1840), des problématiques communes se font jour

Depuis quelques décennies, le monde (de l’art) vit au rythme des biennales d’art contemporain. S’inspirant de la Biennale di Venezia, lancée en 1895 par une ville qui, au bord de la ruine, sent que son salut est de devenir La Città dell’Arte, les grandes villes rivalisent d’ingéniosité pour organiser des biennales capables de réunir, sous la houlette de curators en vogue, des œuvres venues du monde entier.

Les arts plastiques aujourd’hui répondent de plus en plus pertinemment à la demande d’anti-conformisme des publics, aux besoins d’extrême, au désir d’évasion. Les œuvres ne sont plus seulement présentées, mais souvent réellement mises en scène, dans un cadre qui lui-même fait œuvre, de sorte que le spectateur se trouve pleinement immergé dans une proposition environnementale, quand bien même la pièce n’est pas une installation.

Poétique d’appropriation et de dissémination, animée par un esprit d’érudition et d’application, mais aussi et surtout d’amours papillonnes, vénusiennes ou “donjuannes”. Tel est le principe fondamental de la théorie de l’art de Daniel Arasse.

Dans la préface à la deuxième édition de La Gaya Scienza, Nietzsche célèbre la venue d’un art “göttlich unbehelligte”. Pierre Klossowski traduit heureusement l’expression par “divinement désinvolte”. Délaissant le grand Minotaure Wagner pour le polichinelle Offenbach

Dans la deuxième moitié du vingtième siècle, l’Occident a sensiblement basculé dans une culture de l’éphémère, dont la gamme de vaisselle “Éphémère de Lux by Starck” délivre la plus belle effigie

L'esthétique est-elle encore possible aujourd'hui? Aujourd’hui, c’est-à-dire après la fin de l'art, que Friedrich Hegel, dans le Berlin des premières décennies du dix-neuvième siècle, diagnostique comme “romantique” ou “chrétien”

Pourquoi les animaux jouent-ils un rôle si important dans l'art des cinquante dernières années? Suivant l'exemple de Joseph Beuys, apprenant à cohabiter avec un coyote américain pour soigner la dermatose qu'il avait contractée dans les camps de jeunesse allemands, d'Hermann Nitsch se baignant dans les entrailles sanglantes des moutons qu'il vient de sacrifier aux morts de la deuxième guerre mondiale ou d'Ana Mendieta revêtant les plumes d'un poulet qu'elle vient de saigner au rythme d'un vaudou cubain, Huang Yong Ping demande à des crapauds, serpents, lézards, scorpions, araignées, mille-pattes, scolopendres, etc…

Les anges fingunt — se façonnent, fictionnent —, avec l’aide de Dieu, des corps sensibles que l’homme peut voir, toucher, sentir (saint Thomas d’Aquin, Somme). C’est par sua virtute, que l’ange nous paraît parler, manger, marcher, occuper un lieu. Doué de virtus,